Théâtre La Passerelle – Scène nationale de Gap

Polyamide Commando

Sylvain Roux — 2025-06-20T18:19:46Z

Photographe autodidacte, Influencé à la fois par les formes de narration populaires (cinéma, roman-photo, comics) et un panthéon de visionnaires fétichistes (Bourdin, Goude, Hitchcock, Sherman), Cédric Roulliat mêle ses propres obsessions aux mythologies hollywoodiennes dans des tableaux distanciés où des figures hiératiques miment désir, effroi et mélancolie.

“L'art de Cédric Roulliat se distingue par sa maîtrise de la construction des images, combinée au goût des couleurs vives et saturées du Technicolor (...).
Sa démarche est par ailleurs marquée par son travail d'auteur de pièces de théâtre, dont il conçoit costumes, décors et mises en scène. Les photographies de la série Polyamide Commando peuvent être perçues à la fois comme des scènes de répétitions théâtrales et comme la représentation de ces drames eux-mêmes (...). Séquence à part entière, chaque scène prend son autonomie et s'affranchit de la linéarité de la narration (...). Le lien s'établit entre l'art scénique et l'art photographique de Cédric Roulliat.
Conçues comme des saynètes, ses photographies offrent des versions figées de ses performances, à l'instar de Jean-Paul Goude, où photographie, performance et vidéo constituent indistinctement la trame d'une même démarche artistique. Dans ce contexte, quoi de plus logique que le théâtre soit un lieu de prédilection du photographe et qu'il s'y invite pour présenter ses photographies à l'allure toute… théâtrale ?”
–
Jérôme Recours, historien de l'art

· Interview de Cédric Roulliat - Le Dauphiné libéré - 2 oct. 2025

ACT

Florence Bourg, Sylvain Roux — 2025-06-20T18:19:45Z

Le travail photographique de Denis Darzacq s'intéresse aux interactions des individus, issus de minorités, qu'elles soient sociales et ethniques, sexuelles ou encore physiques ou psychiques, avec la société. Ses photographies font dialoguer des réalités paradoxales où la recherche d'équilibre, à travers le corps des modèles prenant position dans le cadre, devient métaphore politique.

ACT est le fruit d'un travail mené en deux temps. De 2009 à 2011, en France, en Grande-Bretagne et aux Etats-Unis, Denis Darzacq a invité des jeunes
et des adultes en situation de handicap à sortir des lieux médicalisés et à réaliser des gestes souvent inédits pour eux (ACT 1). Si certains sont des acteurs, des sportifs ou des danseurs, tous ont trouvé dans l'action et dans l'appropriation personnelle de l'espace commun le moyen d'affirmer une autre image d'eux-mêmes. Par leur état ou leur pose, les corps créent une tension avec leur environnement et bouleversent l'ordre établi.
En 2015, le photographe demande aux plus grands danseurs de l'Opéra de Paris de s'inspirer des photographies des personnes en situation de handicap
de la première série. Les corps considérés comme les plus empêchés deviennent alors les modèles
des danseurs classiques (ACT 2).
“Après mes précédents travaux, où j'avais photographié des jeunes gens en pleine gloire physique, c'était une façon de conquérir des territoires inconnus, c'est-à-dire de repousser ma peur de l'autre et de sa différence.”
Extrait d'un entretien avec Virginie Chardin publié dans ACT aux éditions Actes Sud).
–
Denis Darzacq est membre de l'Agence VU' depuis 1997.

Qu'as-tu vu ?

Florence Bourg, Sylvain Roux — 2025-06-20T18:19:44Z

Photographe auteur, Olivier Chomis s'est nourri des œuvres de Robert Doisneau, Willy Ronis et Henri Cartier-Bresson. Son noir et blanc contrasté, inspiré par les images de Bill Brandt et le cinéma des années cinquante, est devenu son style, au jeu de l'ombre et de la lumière.

À soixante ans passés, le moment propice est venu pour l'artiste, de réunir ses photographies personnelles, prises au cours de ses déplacements en France et à l'étranger, pour des commandes professionnelles. Cette exposition met en lumière une œuvre cohérente, sensible, à la fois classique et contemporaine. Elle parle à toutes celles et ceux qui, à travers l'image, cherchent à mieux observer le monde qui les entoure pour y déceler leur propre vision de la réalité.
Le regard sensible et structuré d'Olivier Chomis s'ancre dans l'urbain, l'architecture, la solitude moderne. Il s'attache à révéler ce que beaucoup ne voient pas toujours : silences de l'isolement dans la ville, géométries révélatrices de formes imprévisibles, lignes qui s'intensifient sous la lumière ou fuient mystérieusement dans l'ombre. Sur les rares images où l'humain s'absente, la construction graphique nous entraîne dans un labyrinthe où l'esprit s'égare à la recherche d'une présence.
Le travail photographique d'Olivier Chomis nous invite à ralentir et à observer, en donnant à voir le monde autrement, avec poésie et sérénité.
–
Zeynep Kerhervé et Arnaud Baumann, commissaires d'exposition

Hivernies

Sylvain Roux — 2024-06-21T03:45:45Z

Patrick Bogner partage son activité entre la photographie professionnelle et sa propre expression artistique, consacrant ses travaux personnels à des espaces dont il interroge la fonction et la théâtralité.
Ses thèmes de prédilection s'articulent autour de l'Ailleurs, un ailleurs qui, présent dans un lieu, aurait besoin de la photographie pour s'incarner, se rendre visible. Patrick Bogner s'intéresse ainsi aux espaces et aux populations où il pressent une métaphore de l'existence humaine.

Hivernies s'inscrit dans la continuité de Erdgeist, premier volet photographique inspiré de la notion du « sublime » chère au romantisme allemand primitif, celui de Novalis et Caspar David Friedrich dont la peinture avait l'ambition de susciter une contemplation égale à celle des images sacrées.
Ce nouveau projet est né des différents voyages du photographe aux confins des terres arctiques, de la réalité concrète de la neige invitant à méditer sur le vide et le silence. Ces images interrogent une culture non occidentale, en l'occurrence la culture chinoise et sa tradition millénaire de peinture, « de montagne et d'eau », le « shanshui ».
La voie chinoise, où poésie et peinture constituent originellement une seule et même discipline, nous offre des images quasi métaphysiques où les forces invisibles, vitales, irriguent le grand corps du monde.
C'est dans cette perspective que Patrick Bogner tente de réinterpréter concrètement « le pinceau et l'encre » dans sa relation au paysage.

Le Chant du Cygne

Sylvain Roux — 2024-06-21T03:45:43Z

Géographe de formation, Andrea Olga Mantovani a travaillé en Europe durant 6 ans sur des problématiques environnementales et sociales. Voyant dans l'image un instrument de témoignage indispensable, elle se consacre dès 2015 à la photographie de manière professionnelle. Réalisant projets personnels et travaux de commande pour la presse, elle est aujourd'hui correspondante pour le New York Times en Europe.

Son travail personnel se concentre sur la protection des forêts naturelles en Europe utilisant la photographie comme un acte artistique militant. Dans son approche, Andrea Olga Mantovani alterne images de paysage célébrant la force et la beauté d'une nature immuable et photographies plus allégoriques. Elle renvoie à la complexité de la crise environnementale et évoque de manière métaphorique certains aspects des enjeux écologiques de notre société. La série Le Chant du Cygne présente l'histoire de la forêt de Bialowieza en Pologne, dernier vestige de forêt vierge en plaine en Europe, menacée par une campagne de déforestation lancée en 2017 par le ministère de l'Environnement polonais sous prétexte de lutter contre un insecte ravageur. Des citoyens européens se sont mobilisés pour la défendre, transformant Bialowieza en symbole de résistance. Andrea Olga Mantovani inspirée par cette lutte et sa passion pour la nature, a vécu dans la forêt pour témoigner de sa mythologie à travers la photographie. Son expérience a été le sujet de son livre S'enforester avec le philosophe Baptiste Morizot (publié par les éditions d'Une Rive à l'Autre).

Quatre yeux

Sylvain Roux — 2024-06-21T03:45:41Z

Adrien Bitibaly, photographe burkinabè résidant à Gap, incarne une voix singulière dans le monde de la photographie documentaire contemporaine. Son parcours témoigne d'une évolution artistique marquée par une passion précoce pour la photographie, progressant vers une exploration approfondie des réalités socioculturelles de son pays d'origine.

Forgé par son expérience au sein de la société burkinabè où les croyances en la sorcellerie jouent un rôle prépondérant, son parcours confère une authenticité et une sensibilité uniques à son travail. Au Burkina Faso, les événements tragiques sont souvent attribués à des interventions malveillantes, entraînant des accusations de sorcellerie. Après avoir rencontré dans un centre de solidarité à Ouagadougou des personnes incriminées, Adrien Bitibaly a voyagé à travers le pays pour interroger des prêtres traditionnels dotés de la « capacité » à déterminer si une personne possède des pouvoirs maléfiques et doit être désignée comme sorcière. Son travail photographique explore les origines de ces accusations et leurs conséquences sociales.

L'Air de rien

Sylvain Roux — 2023-06-23T18:07:50Z

« Imaginé pour durer 30 jours, à l'été 2018, je poursuis depuis et pour la 5^e année cet exercice qui consiste à publier une photo et une légende chaque jour sur les réseaux sociaux.
Les images de mon quotidien, réel et ancré, rêvé ou fantasmé, accompagnent le café noir du matin pour s'inscrire dans une suite sans fin. L'air de rien, l'exercice est devenu une idée fixe, un rituel. Celui-ci révèle d'infimes détails puisés ici et là, salue les plaisirs simples et invite parfois à prêter attention aux événements anodins, aux coups de cœur, aux moments de grâce comme aux petits troubles, à ce qui fait finalement le sel d'une vie. A la façon d'une coulée douce, je scrute mon monde, en collectionne ses bizarreries, musarde au milieu de l'ordinaire. Je ne crains pas le fade et éprouve une infinie tendresse pour le peu, l'infra-mince et le presque rien.
Ce qu'il en reste ? Un certain mode d'emploi du temps, la récurrence du monde paysan et l'omniprésence de la ville de Capdenac dans laquelle je vis, l'amour des gens de peu et de cette diagonale du vide que j'arpente sans fin, quelques horizons et bouts de chemins noirs, des voitures totem et d'autres sous bâches, une collection de camping-car stationnant dans des paysages de cartes postales, les apparitions d'une chimère d'indien, des moments curieux, des choses imbéciles, une main.
En me plongeant pour la première fois dans l'entièreté de ma collection et à l'apparition fortuite ou non de quelques récurrences, j'ai choisi pour cette exposition quatre séquences distinctes : une chronologie qui tient lieu de journal, une plongée dans la ville de Capdenac, une traversée des territoires de la diagonale du vide et enfin mes rencontres avec de nombreux véhicules. Comme un prolongement joueur, éparpillés ici ou là, des objets glanés dans mon quotidien ou fabriqués pour l'occasion viennent prolonger ce récit composite, tel des miscellanées.
C'est de cette façon, que je tente à ma mesure et avec humilité d'habiter poétiquement le monde. Aujourd'hui, je publie ma 1 802^e photo légendée.
Ainsi, par la rigueur d'une discipline quotidienne, c'est une anthropologie de poche qui apparaît, celle qui parle de nous et du goût de la vie, de l'intime et de ce qui est là sans artifice et sans chichi. Comme cinq petits cailloux glanés au gré de promenades… Une vie de ricochets. »
Fred Sancère

Somebody Else

Sylvain Roux — 2023-06-23T18:07:48Z

À la croisée des chemins entre photographie, peinture et performance, les images d'Elina Brotherus interrogent métaphoriquement notre place dans le monde autant que les codes esthétiques de l'art classique ou contemporain.

Avec pour modèle elle-même, elle crée des ambiances éphémères s'inspirant ou revisitant les partitions des actions du mouvement Fluxus ou d'autres instructions écrites pour l'art de la performance dans les années 1950-70.
Dans des compositions très soignées et souvent épurées, un travail sur la lumière et la couleur très abouti, les autoportraits de l'artiste, souvent réalisés dans la nature ou dans des intérieurs austères, sont autant de multiples du « moi ». Ils reflètent, avec légèreté, les états émotionnels de l'artiste dans son approche intime du monde.
L'exposition Somebody Else composée spécialement pour la galerie du théâtre, associera des images de plusieurs séries photographiques réalisées par l'artiste, notamment Meaningless et Carpe Fucking Diem.

Ghana

Sylvain Roux — 2023-06-23T18:07:40Z

Denis Dailleux est célèbre pour le portrait inédit et passionné de l'Égypte qu'il élabore depuis plus de quinze ans. En quête de nouveaux espaces de création, il se rend aussi régulièrement au Ghana depuis 2009.

Les pêcheurs du port de Jamestown, ancien quartier d'Accra, la capitale, sont devenus l'un de ses sujets favoris. Il trouve au sein de cette communauté une source d'images fortes : marines aux ciels changeants, ballets des pêcheurs, vie des femmes et des enfants qui travaillent sur le port… Il y explore de nouvelles relations au corps et à l'espace, à la vie et à la mort, à la religion, à la mer, qui renouvellent sa photographie. La sérénité, l'évidence picturale de ses images réenchantent un monde et des territoires aujourd'hui menacés et sont, à ce titre, d'autant plus précieuses.

« C'est avec les pêcheurs de Jamestown que j'ai connu mon premier choc au Ghana. J'ai été happé par ces scènes aussi fortes que celles qu'on trouve dans certains tableaux anciens, ces lumières aussi de bord de mer, éblouissantes et qui transforment parfois les hommes en silhouettes. J'ai aimé, la belle et libre nudité des corps ghanéens. Pour un photographe, ces corps sont un don. »
Denis Dailleux

Shared

Sylvain Roux — 2022-06-17T21:11:15Z

Chez Nelli Palomäki, le portrait sert de support à l'étude de la mémoire, du temps, de la perception de soi-même et des relations familiales. Cette exposition explore les relations qui se jouent entre frères et sœurs.

La représentation de la fratrie est une constante de l'histoire de l'art. Qu'elle soit mythologique, historique ou contemporaine, la fratrie sert de prétexte à l'illustration des rapports de pouvoirs à l'échelle d'une société. Quel rôle joue-t-elle dans la construction de l'identité individuelle ? Partant de ces observations, Nelli Palomäki s'est intéressée à la relation physique et spirituelle qui lie les frères et les sœurs : « Parmi toutes nos relations, celle-ci pourrait bien être la plus délicate. Sous la cohésion et l'amour, se cachent souvent des émotions plus complexes comme la compétition, l'envie et le souci de l'autre [...] Nos frères et sœurs sont comme des miroirs. À travers eux, nous étudions à la fois nos traits adorés mais aussi nos traits indésirables. Nous nous efforçons de voir nos relations familiales comme égales mais il y a toujours des disparités qui nous suivent tout au long de notre vie. »
Formellement, son choix de l'intemporalité se manifeste par une indistinction des lieux, des poses hiératiques et des vêtements soigneusement choisis par la photographe. Il est bien question de mise en scène, mais les enfants jouent ici leur propre rôle dans une gravité que l'on accorde peu souvent à l'enfance. Patiemment, Nelli Palomäki attend le malaise, ce moment où se trouve selon elle la vérité de la relation photographiée.

Le Pays Basque

Sylvain Roux — 2022-06-17T21:11:13Z

Dans la grande tradition de la photographie documentaire américaine, Anne Rearick travaille sur des sujets au long cours, approfondissant les relations avec les gens et les lieux qu'elle saisit au fil du temps. Sa photographie dépeint l'expérience quotidienne des univers dans lesquelles elle s'immerge, et qu'elle célèbre avec délicatesse.

En 1990, Anne Rearick quitte la côte Est des États-Unis pour passer une année à photographier la vie quotidienne d'Iparralde, dans le Pays basque français. Elle cherche à y capturer des moments de pureté et d'authenticité. Ici, le temps semble s'être arrêté. Des images prises loin des bouleversements de la vie moderne et du tumulte de la ville. Elles expriment la richesse d'une existence qui suit le rythme de la nature, qui prend racine dans la terre. Lorsqu'elle est réalisée avec tendresse et sincérité, la photographie a quelque chose de profondément animé, qui nous dit que « cela a été » et ces images nous ramènent vers le passé.
Dans une région qui cherche à préserver sa propre culture, cette approche photographique, servie par une mise en scène sans artifice, par de subtiles vibrations de lumières, est très juste.
Depuis 32 ans maintenant, Anne Rearick continue à photographier ce pays.

Chiloé

Sylvain Roux — 2022-06-17T21:11:10Z

Brigitte Grignet photographie depuis plus de quinze ans, dans un noir et blanc carré classique et contrasté, aussi bien ses pérégrinations dans différents pays que des sujets de société, des faits d'actualité, des situations humaines spécifiques. Son approche à la fois directe, tendre et très sensible témoigne d'une exigence de regard et d'une qualité d'écriture à travers la lumière qui sont la signature des grands photographes.

Il existe un vieux dicton chilien qui dit : « Il ne se passe jamais rien au Chili ».
Depuis le coup d'État de Pinochet, ce n'est plus tenable, bien qu'il semble que dans l'archipel de Chiloé, à 1100 kilomètres au sud de Santiago, le temps se soit largement arrêté.
J'ai visité ce groupe d'îles pendant sept ans. J'y ai vécu sans électricité, sans eau chaude courante et sans soins de santé.
C'est une vie primitive, riche en mythes sur la lutte constante avec la mer et la terre.
Mais la question de savoir combien de temps ce mode de vie va continuer à exister reste ouverte. Avec l'arrivée des nouvelles technologies, le développement du tourisme et des élevages de saumon, les changements économiques sont inévitables et avec eux la sape des structures sociales et des traditions culturelles séculaires.
J'ai enregistré les Chilotes tant qu'il était encore temps.
Le résultat est le récit d'un peuple qui croit aux bateaux fantômes, aux sorcières, à Dieu et au pouvoir de la communauté.

Virage

Sylvain Roux — 2022-06-17T21:11:08Z

Depuis plus de dix ans, la photographe Yohanne Lamoulère arpente avec son Rolleiflex les rues de Marseille. Documentaires et poétiques, ses images racontent une ville en morceaux et la beauté de ses habitants les plus fragiles.

"Yohanne Lamoulère photographie des gens. Ceux qui vivent où elle vit et où elle a vécu. Des corps en représentation dans des paysages meurtris. Ils mentent comme ils peuvent, immobiles et solaires. Ils jouent à se mettre en scène parce que c'est vital. Ils racontent des histoires et s'emparent de celles qu'on raconte sur eux. Certaines fictions sont confortables. On plonge dedans, on se les approprie. D'autres sont mal taillées, alors on les tord ou on les rejette. Toujours du mensonge dans la rencontre. Ça se donne, ça se refuse. Ça s'apprivoise, dans un sens comme dans l'autre. Résultat : des centaines de confrontations consacrées par des bouts de papier exposés au mur. Et qu'est-ce que ça change ?
C'est la question que Yohanne Lamoulère se pose en retournant auprès de personnes déjà photographiées pour poursuivre une relation entamée souvent des années auparavant. En essayant de saisir à nouveau ce qu'elle leur a pris et ce qu'ils lui ont donné : une image de leur corps. Voilà l'enjeu de ce rendez-vous. Tester la distance. La prendre ou la casser, comme à la boxe. Tourner autour pour y voir plus clair, puis s'enfoncer dans cette matière mixte et foisonnante. Des images, du texte pour tenter de dire l'envers, en interrogeant la sincérité de la démarche documentaire et comprendre ce qui se joue dans l'intimité de ces moments, lorsque l'œil est rivé sur une réalité qui le déborde."
Léon Favier

Embarquement immédiat

Sylvain Roux — 2021-06-19T19:00:00Z

Serge Mendjisky réalise des photocollages à partir de centaines de clichés travaillés, découpés et ensuite collés sur toile. Il réorganise l'espace et le temps dans les paysages urbains qu'il affectionne particulièrement.

La déconstruction de ses photographies, inspirée du cubisme, s'est complexifiée au fil des années dans une suite de procédés artistiques allant du changement d'échelle à l'effet miroir, en passant par la mise en espace 3D. À chaque expérience, Serge Mendjisky nous convie à une stimulation visuelle d'une dynamique toujours renouvelée.
Fils du peintre post-impressionniste Maurice Mendjisky, il gardera du fauvisme le caractère d'un coloriste exceptionnel. Influencé à ses débuts par Cézanne et les Impressionnistes, il trouvera son mode d'expression propre dans le divisionnisme, dont il sera une figure emblématique, et qu'il transcendera en le croisant avec le Pop Art, dans des toiles au point de vue macrophotographique.

Left Three Days

Florence Bourg, Sylvain Roux — 2021-06-19T18:50:00Z

Quarante ans après l'évacuation de Phnom Penh par les Khmers rouges, le photographe Mak Remissa revient sur ce passé tragique à travers une série photographique réalisée à partir de papiers découpés racontant différents épisodes de ce qu'il a vécu.

Le 17 avril 1975, les Khmers rouges entrent dans Phnom Penh, prennent le pouvoir et font évacuer la capitale. C'est l'épilogue de presque dix années d'une guerre civile qui aboutit à la plus effrayante des dictatures communistes qui fit disparaître un quart de la population du pays.
À cette époque, Mak Remissa a 5 ans et une partie de sa famille est assassinée ou torturée par le régime khmer. À travers cette exposition, Mak Remissa revient sur ce drame et tente de s'approprier son histoire. S'inspirant de la tradition des "grands cuirs", théâtre d'ombres cambodgien, il fabrique ses images à partir de papiers découpés photographiés à contre jour et éclairés par un feu de noix de coco dont la fumée nimbe l'ensemble.
Il y a des petits hommes en noir, le Wat Phnom (temple fondateur de la ville), les scooters abandonnés, cette foule poussant vélos ou motos, emportant ce qu'elle peut, qui marche… fantomatique. Ces images fragiles et poignantes, ces épures de la douleur reconstituent un étonnant parcours de mémoires entre les générations. Une proposition qui fuie les témoignages directs et impose simplement une émotion palpable de formes évidentes, lisibles par tous.

« Comme d'autres Cambodgiens, certains membres de ma famille sont morts assassinés, de la famine, du travail forcé et de la torture sous le régime des Khmers rouges. La plupart de ceux qui ont survécu au régime ne souhaitent pas évoquer des souvenirs aussi douloureux ni même essayer de s'en souvenir, pour éviter une souffrance émotionnelle continue. En conséquence, l'histoire du génocide qui a eu lieu entre 1975 et 1979 au Cambodge s'est peu à peu estompée dans l'esprit des gens, comme une fumée emportée par le vent. Nous, Cambodgiens, ne voulons pas qu'un événement aussi tragique et douloureux se reproduise dans notre mère patrie. C'est pourquoi, afin que les générations futures puissent connaître notre histoire et qu'elle ne disparaisse pas avec le temps, il est important de réconcilier les victimes dans l'optique de réparer leurs souvenirs fragiles et leurs souffrances émotionnelles. « Left three days » (« Partir trois jours ») est une expression clé pour rappeler des souvenirs de mon enfance à cette époque. En particulier le 17 avril 1975, lorsque les troupes des Khmers rouges ont pris le contrôle et occupé la capitale, Phnom Penh. Ce jour-là, on entendait des coups de feu qui déchiraient les oreilles sur des kilomètres autour de la ville. Un frisson me parcourait la colonne vertébrale à chaque coup de feu. Les soldats vêtus de noir – la plupart était très jeune - ont ordonné à tous les habitants de quitter leur domicile pendant trois jours, même les patients devaient quitter les hôpitaux sans aucune information précise. Ma famille s'est cachée dans notre maison pendant une nuit en espérant que la situation changerait. Mais à notre grande consternation, la capitale, jadis si vivante et riche en vie, est devenue une ville fantôme. Conformément aux ordres, tout le monde a été expulsé de la capitale. Les seuls êtres humains qui restaient étaient les troupes des Khmers rouges qui allaient de maison en maison à la recherche des personnes restantes. En raison de l'aggravation de la situation, mon père a décidé de quitter Phnom Penh le lendemain. » Mak Remissa

Avilàg

Sylvain Roux — 2021-06-19T18:40:00Z

Avilàg (« le monde » en Hongrois) est une série photographique qui propose un regard sur le réel, une part du monde entre documentaire et poésie, une manière de rendre compte du quotidien de la vie nomade et de l'humilité qu'elle requiert.

« J'ai rejoint pour ce projet sur plusieurs saisons, une troupe de cirque itinérante parcourant les chemins de Hongrie en roulotte à cheval. J'ai suivi les convois à pied aux côtés de ces voyageur.se.s, en interrogeant ma pratique de la photographie comme témoignage de l'ordinaire. Quand hommes et femmes choisissent de vivre un quotidien qui les rend tributaires de la nature, où qu'ils/elles soient sur la terre, leurs préoccupations fondamentales sont les mêmes : s'adapter à leur environnement, préparer la nourriture sur le feu, chercher de l'eau, ramasser le bois, traire, cueillir, etc.
C'est là que mon regard se pose, lorsque du réel émergent des images surnaturelles teintées de mythe et d'étrange, où le quotidien tire ses traits du fantastique.
Avec la photographie argentique en noir et blanc, je tente d'entrer dans un univers qui n'est ni un lieu, ni un temps défini. Il s'agit de rendre au réel son caractère intemporel : être reporter sans faire référence à un évènement contextuel. Montrer simplement ces gens traversés par les paysages. »
Chloé Gadbois-Lamer

« La longue caravane arrive au bord de la source
20km, 4h de route.
Ici coule une rivière.
Tout s'invente et naît de nos mains.
Une place pour chacun : là les chevaux, ici les chèvres.
Bois, nourriture, eau.
[…]
Attentive à ce qui doit être fait.
[…]
Quelques étoiles dans le ciel promettent un meilleur lendemain.
Ça fait sourire le monde, car depuis quelques temps, le monde a froid.
Alors le monde joue de la musique.
Le monde frissonne.
Il sait ce qui est beau. »

Extrait de textes du livre Avilàg

Le Jardin du monde

Sylvain Roux — 2021-06-19T18:30:00Z

Magicien contemplatif du règne végétal, Denis Brihat cueille en passant l'ordinaire de son jardin et réalise des œuvres uniques, comme un art rupestre végétal.

Denis Brihat est un photographe majeur. Une carrière internationale, des images exposées dans le monde entier : MOMA de New-York, Albert museum de Londres, Palais de Tokyo à Paris, prix Niepce en 1957…
Installé depuis plusieurs décennies « à Bonnieux-Vaucluse » comme il dit, c'est la nature autour de lui qui constitue son univers créatif. Tel un révélateur de la splendeur, étudiant les formes, les structures, l‘architecture de la nature dans ses manifestations modestes, celles à portée d'un regard quotidien, l'essence de la quête de Denis Brihat est une véritable « offrande visuelle » pour nous faire partager son émerveillement.
Qu'il photographie des paysages, des pissenlits, des herbes folles, des chardons ou encore des coquelicots, des tulipes noires ou des oignons, ses préférés, cet alchimiste de la beauté cherche la restitution photographique aussi parfaite que possible. Ses images, bien loin des planches naturalistes ou des natures mortes, sont de véritables œuvres d'art.
La série de photographies d'une poésie stupéfiante présentée à La passerelle, s'inscrit indubitablement dans l'histoire de la photographie contemporaine.

Brésils

Florence Bourg — 2021-04-06T18:34:02Z

D'une petite favéla au cœur de Sao Paulo jusqu'au fin fond de l'Amazonie, un voyage photographique entre documentaire et poésie qui questionne la situation actuelle du Brésil.
Une exposition à découvrir à la Galerie du théâtre et au Musée Museum départemental à Gap.

« Installé au Brésil pendant plus de dix ans, Ludovic Carème a pris à rebours le trajet de ceux qu'il a photographiés. Il a commencé à dresser le portrait de la petite favela d'Agua Branca à Sao Paulo, pour finir son périple en Amazonie, là d'où sont partis ceux qui rêvaient de trouver le bonheur dans la mégapole. Puis, il est allé régulièrement à Agua Branca dans ces baraques en planches, construites au-dessus des égouts, il a photographié, de près, en noir et blanc vibrant ceux qui acceptaient sa présence et lui faisaient don de leur visage. C'est là aussi qu'il a photographié, en pied, les travailleurs.
En 2012 il a cadré les grands immeubles du centre mis en jachère par des promoteurs spéculateurs, ruines modernes et dérisoires, révoltantes, dans une ville où des milliers de sans abris rendent encore plus intolérables ces habitations vides transformées en œuvres d'art urbain par d'audacieux « Pixadores ». En abandonnant la ville pour le plus profond de l'Amazonie, en poursuivant son travail de portraitiste et en le complétant de vues, souvent sensuelles de la forêt, mais aussi de constats nets de sa déforestation, il poursuit le développement sensible d'une photographie documentaire aux solides bases classiques.
Des portraits dignes et un peu tristes, une forêt luxuriante, en butte aux agressions de l'homme, des maisons détruites, le double mouvement qui mène les pauvres vers les villes et leur interdit les centres, tout est là, avec retenue, avec une forme de poésie aussi. »
Christian Caujolle

Île d'enfance

Florence Bourg — 2021-04-06T18:34:01Z

De l'intime au quotidien, du voyage à la rencontre, le travail d'Arja Hyytiäinen fluctue entre documentaire, journal intime et récit fictionnel. Ses photographies, tendres ou troublantes, traduisent une vision aussi subjective qu'empathique. Elles évoquent les relations de couple ou les modèles familiaux et disent l'exaltation des rencontres comme la magie et l'étrangeté de l'enfance.

« La série Ile d'enfance traite de l'enfance et de l'identité. Du point de vue de l'enfant, et de mes propres souvenirs. Je travaille cette série en partie de façon posée et en partie spontanée. En tant que photographe et mère, je suis et je partage le développement de ma fille, les événements du quotidien, tout ce qui éveille mes souvenirs et qui a inspiré mes photographies ces dernières années.
Certaines images sont composées en Finlande, sur une île où nous allons tous les mois d'août. Peut-être que cette île est devenue toute la Finlande pour ma fille, en tout cas le granit et la puissance de la nature sont partout autour d'elle pendant ces séjours. Le reste des images est composée là où nous vivons toute l'année en France. Le “entre deux” crée une dualité permanente qui se cache dans un espace secret à l'intérieur de vous. »
Arja Hyytiäinen

Prix Levallois 2020

Florence Bourg — 2021-04-06T18:33:59Z

La galerie accueille pour la première fois cette année les trois lauréats du prix Levallois 2020. Créé en 2008, ce Prix soutient et accompagne des photographes de moins de 35 ans de toutes nationalités.

Kinderszenen de Lionel Jusseret

Lionel Jusseret photographie pendant près de huit ans des enfants atteints de formes graves d'autisme. Afin de ne pas les réduire à leurs troubles psychiques, il les photographie loin des murs des institutions dans la parenthèse de vacances à la campagne. La série Kinderszenen est un voyage onirique, tantôt naïf, tantôt angoissant, souvent mystérieux, qui vous laisse découvrir seul à seul l'énigme de ces « gamins-là ». Le conte et le mystère contre l'enfermement et l'oubli.

Kinderszenen laisse entrapercevoir l'intimité d'enfants autistes, leur manière d'appréhender l'espace et le monde. En 2012, Lionel Jusseret a commencé à photographier des enfants autistes après deux ans passés comme éducateur à l'association J'interviendrais qui offre aux enfants autistes profonds la possibilité de vivre des vacances en collectivité dans différentes maisons de campagne.Il a fallu sept ans à Lionel Jusseret pour rassembler ces portraits, car l'épuisement physique et psychologique que générait un tel accompagnement ne lui permettait pas de travailler plus de deux semaines consécutives. « Les rencontres avec les enfants, non-verbales pour la plupart, c'était d'une puissance innommable. J'ai eu le sentiment d'entreprendre un réel voyage en territoire étranger. J'aimais bien dire que j'allais en Autistan, en référence à Josef Schovanec ou tout du moins, en bordure d'Autistan. »

The Island of Crimea de Stanislava Novgorodtseva

Stanislava Novgorodtseva parcourt ce qui a construit ses perceptions : la Crimée et son histoire complexe deviennent le décor d'une fiction intime. Elle découpe et accumule des scènes de vie où la solitude et une désuétude mélancolique se côtoient.

« Enfant, la Crimée m'a toujours paru être un lieu sacré et apolitique : une île marquée d'une mythologie particulière et de traces d'anciennes civilisations. C'est ici que j'ai vu la mer pour la première fois. Cette péninsule a forgé sa propre identité marquée par le brassage des populations. En 1783, Elle est devenue partie intégrante de l'Empire Russe et connue de tous comme résidence du tsar. Après la création de l'URSS, la Crimée n'est plus un lieu de villégiature pour l'élite, mais une station balnéaire populaire. À la chute de l'Union soviétique, cette péninsule est rattachée à l'Ukraine, puis en mars 2014 elle devient sujet de la Fédération de Russie. Depuis ces six dernières années, la Crimée est le centre de conflits politiques. Les sanctions et restrictions individuelles infligées à ses habitants ont accru le sentiment d'isolement. L'univers de mon enfance et la mythologie locale s'entremêlent aujourd'hui avec la réalité politique. »
Stanislava Novgorodtseva

Second Nature d'Isik Kaya

Isik Kaya emploie la photographie pour engranger et réaliser une typologie des antennes relais transformées en artéfact d'arbre. Ici l'énonciation et la dénonciation se côtoient dans une proposition où les photographies servent un propos sociologique.

La première transformation d'une antenne-relais en un sapin factice a été réalisée en 1992 par Larson Camouflage : une entreprise qui travaillait pour Disney. Disney, et le terme « Disneyfication » sont utilisés pour décrire la transformation de l'environnement en un grand spectacle pour le client. Jean Baudrillard a écrit dans son essai Simulation : « Disneyland est présenté comme étant imaginaire, pour nous faire croire que le reste est réel, alors qu'en fait tout Los Angeles et l'Amérique qui l'entoure ne sont plus réels mais de l'ordre de l'hyperréel et de la simulation ». L'observation de Baudrillard au sujet de la Californie nous oriente dans la direction de cette transformation et de ses effets sur notre perception. Les images de la série Second Nature nous montrent des antennes-relais déguisées en arbres pour se fondre dans les paysages de la Californie du Sud. Ces artefacts de l'ère numérique peuvent être décrits comme étant une « préférence de la société pour une harmonie “inauthentique” plutôt qu'une réalité “déplaisante” » (Amy Clarke)